Luis Alberto Espinoza López

En el marco de los retos que enfrenta la enseñanza remota y lo que ha significado cambiar los métodos de enseñanza/aprendizaje, para los estudiantes del curso de Dibujo IV de la ENSABAP, debido a la nueva forma de educación virtual, en medio de la pandemia. Decidimos, junto al artista visual Andrés Pérez, profesor del curso de Dibujo IV del Programa de Educación Artística de la ENSABAP; invitar y generar un diálogo con artistas para conocer el quehacer artístico y aproximarnos a los procesos relacionados con el dibujo, con la investigación y el arte. El primer conversatorio se realizó con la artista Mariella Lanata, una artista francoperuana que trabaja Lima y Narbona, Francia. El resultado se configura como un intercambio de experiencias influenciadas por la caligrafía oriental, la estética Zen; focalizando hacia un registro de sucesos y sensaciones, que luego se convertirán en un instrumento de liberación espiritual expresada en el paisaje, los trazos, el ritmo y el gesto.

“El dibujo también es una forma de meditación”

Entrevista por Luis Espinoza y Andrés Pérez

Mariella Lanata ha nacido en el Perú. Después de una formación de tres años en la escuela de Artes Plásticas de la Universidad La Católica, Lima- Perú, Mariella decide dejar su país para radicar en Francia. Estudia en la escuela superior Met de Penninghen y en la Academia Charpentier en París, donde obtiene el diploma de "Artes gráficas, publicidad y fotografía" en 1983. Mariella ha sido asistenta en fotografía por Claude Gaspari, fotógrafo especializado en obras de arte de grandes maestros. Gracias a la danza de F. Malkovsky, flamenco y de otras prácticas corporales. Mariella adquiere un lenguaje pictórico de mucho movimiento. Inspirado también en influencias culturales peruanas y europeas. Practica igualmente la litografía con la "Casa del Rey" en Sigean (Francia). Expone en el Perú y en Francia. Viva y crea en Lima y Narbonna.

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MARIELLA LANATA: El dibujo me acompaña siempre, es para mí, una forma de observar la vida y es una gran lección de, realmente, meterte en una forma; que de otra manera no lo descubre.

El dibujo también es una forma de meditación, porque te lleva a un silencio con la forma y al mismo tiempo, la mirada se expande y puede captar informaciones mucho más profundas, que simplemente, descriptivas. Incluso, ahora tengo cuadernos de dibujo; cuando viajo, siempre tengo un cuaderno de dibujo, para la parte descriptiva en algunos viajes, algún detalle, un paisaje o algo; siempre me es muy nutritivo para estar siempre en el presente de lo que estoy viviendo.

MARIELLA LANATA: el movimiento corporal me interesa desde hace muchos años, he experimentado muchas técnicas corporales entre la danza, el taichi; incluso el canto, he tomado clases de canto, a pesar que no soy una super cantante, todo eso es para experimentar corporalmente la línea; el hecho de haber dibujado en el espacio, no solamente con el cuerpo, sino con la voz; porque la voz hay que lanzarla muy lejos de ti y tiene que tocar un público que está, relativamente lejos. Todo eso forma parte de la línea, la línea viva. Esas sensaciones y experiencias que he tenido, con esas otras dimensiones, que no son solo el lápiz y el papel, me han ayudado a soltar muchísimo y me han llevado también a conectarme, también con los elementos de la naturaleza; me han llevado a estar en contacto con todo el mundo vegetal, el desorden vegetal, que es maravillosamente desordenado. cuando uno pasea por la selva, te das cuenta que todo tiene un desorden perfecto y que hay muchísima armonía en todo eso, entonces, también tratando de plasmar en dibujo todos los elementos, el aire, el agua, la tierra; en una forma ya muy lejos de la académica, en una forma más de lo que es la percepción interna. Esta búsqueda también ha sido acompañada, de mucha sensibilidad a nivel, pintura asiática, dibujo asiático, de ir a lo esencial, de trabajar el gesto.

MARIELLA LANATA: como la historia de un gran emperador chino, que quería tener un dibujo perfecto de un gallo. Llamó a todos los dibujantes y artistas de su reino y se presentó uno y le dijo yo quiero el dibujo de un gallo que sea perfecto y uno de ellos aceptó el reto. Pasó un año y medio y llegó el artista, con su hoja blanca con la tinta y un pincel; y en tres segundos le hizo un gallo perfectamente en el papel. Eso es interiorizar las cosas para darle viva perfectamente al trazo e ir a lo esencial. Todas estas filosofías y formas de captar la vida me han nutrido muchísimo. Tengo la suerte de vivir en un país donde las muestras artísticas de las exposiciones son muy interesantes, hay una cantidad de propuestas muy lindas, sin intelectualizar mucho, he captado y lo he introyectado; sin darle fuerza, cero esfuerzos, entonces cuando estoy delante de un papel, lo único que hago es abrir puertas y que salga lo que he introyectado de una manera no intelectual. Así funciono y así funciono con mi pintura actualmente y con todo lo que son trazos con tintas de diferentes materiales con una respiración, con una tranquilidad y que todo fluya.

AP: me gustaría ampliar la idea de la relación con el silencio, que es el dibujo pensado con y a través de la observación; algo habíamos visto sobre el dibujo de John Berger, que finalmente son posibilidades; una manera de ver. Si podrías ampliar la cualidad de la observación en la disciplina del dibujo.

ML: practico mucho la meditación, incluso aquí le dicen la “caza silenciosa”, como ir a cazar imágenes, como los indios pieles rojas, que se sentaban en la naturaleza, sin moverse en silencio para dejar venir al animal, o a todo lo que es vegetal o todo lo que son insectos; quedarse completamente quieto y en silencio como que las formas empiezan a tomar tres dimensiones, como las que tienen y va uno captando y sensibilizándose al medio para poder abrir una percepción más grande.

ML: ¿qué hace el calígrafo japonés antes de pintar? Se siente en el suelo en su cojincito, con todo su material listo y respira, cierra los ojos y entra en su propio eje. Concentrándose realmente en su respiración y una vez que está todo reunido, abre y va al gesto. Eso para mí ha sido siempre, un punto importantísimo en el dibujo, el hecho de poder hacer silencio. ¿Qué cosa es hacer silencio? es llevar tu atención a lo más simple de tu cuerpo. Porque la mente no se puede parar, es simplemente concentrarse en algo muy simple; tener una especie de espacio de tranquilidad mental y a partir de ahí entras.

ML: en uno de mis cursos, porque yo he enseñado a niños, adolescentes y adultos por muchos años, en algunos grupos, lo que yo pedía, es que antes de, incluso los niños en el colegio, chiquitos de entre seis, siete y ocho años, hacíamos estiramientos. En la Bauhaus, había todo un curso, antes de entrar al dibujo, de estiramiento, antes de entrar al dibujo, de respiración y exposición. ¿Para qué? Para que toda la tensión se reúna en un punto y para que luego pueda expandirse la creatividad. Eso de la observación y el silencio es acoger lo que nos rodea, sin ponerle, entre comillas, los parásitos mentales. Dejar que realmente, la forma llegue y sentir la forma de una manera gestual.

LE: En relación al tema del silencio y el grafismo ¿cómo consideras la luz del día en tu producción, ¿cómo lo tomas en cuenta en tus dibujos con tinta china? ¿cómo el efecto de fluir del agua contribuye, de alguna manera, a tu propuesta?

ML En cuestión luz, yo soy una artista que no trabaja de noche, imposible. La luz artificial, para mi creación, nunca me ha gustado; entonces, trabajo en la mañana o en la tarde, para mi es muy importante. Para el trabajo, es la energía de la mañana. Por eso, en el colegio nos ponían el curso de matemática, a primera hora, porque estábamos claros con una mentalidad abierta, regenerados por el sueño. En la mañana, hay una energía muy especial que no es la misma.

LE: En relación a la dilución del agua, el año pasado tuve la suerte, de ver la exposición individual Impermanencia, en el ICPNA; en ese sentido, me llamó mucho la atención observar el trabajo con la tinta china y los efectos con los utensilios ¿Cómo te permite conectar las herramientas de dibujo con el material o soporte?

ML: normalmente la tinta china se trabaja sobre papel. Utilizo papel de 300 gr. Para que tenga una buena absorción, granuloso, para que tenga una buena textura. En Lima, trabajo con un papel que se llama papel tela, que en realidad es un papel para pintar al óleo y en acrílico. Es un papel que no absorbe, tiene una textura de tela, pero no absorbe. Normalmente uno trabaja con tinta china, pero la vida te lleva por caminos inesperados. Trabajo en formatos relativamente grandes, tiemplo la tela en el suelo, para que no se ondulé cuando le pongo la tinta. coloco la tinta. La tinta la puedo utilizar pura, o tengo varios pomos de dilución para agarrar varios grises, según la perspectiva y la profundidad que le que le quiero dar a la imagen. Puedo empezar a trabajar una tinta diluida con un gris claro, trabajar grises coloreados, puedo trabajar con azul que tiene negro, pero son tonos muy sutiles y una vez que tengo, el conjunto; ese conjunto me empieza a hablar y ahí termino con una tinta pura, bien negra. Tengo tres tipos de tinta, una tinta que es negra, pero se va, un poquito al sepia, una tinta que es negra que es un poquito más azul y una tinta negra que tiene mucho acrílico, que es negra brillante. Ahí hay muchos valores que según cómo lo utilizas y con qué herramientas, te van a dejar texturas, te van a dejar diferentes planos de lectura. Utilizo muy pocos pinceles académicos, como estoy buscando la naturaleza, en realidad, entonces todo lo que pueda dejar un trazo me interesa. En el fascículo de la muestra de la muestra del ICPNA, Impermanencia; Ahí cuento la anécdota, que estaba en Lima y me fui a un ver a un mecánico, del barrio, y dentro de su desorden había una escoba, maravillosamente usada, quedaba tres o cuatro pajas en la escoba. Le pedí al señor, por favor; regáleme su escoba y me dijo cómo le voy a regalar mi escoba, si todavía sirve. Todo lo que encuentro y que me inspira un posible trazo, lo tomo. Por ejemplo, las hojas de palmera, en Lima cuando se secan tienen unas hojas largar, también trabajo con escobillones, con paja, cepillos viejos de lavar los platos. Los palitos para tomar el agua, las cañitas para soplar; en realidad las posibilidades son inmensas. Porque la tinta china es un medio de expresión, ilimitado; más avanzo con la tinta china, más descubro. Cada vez que trazo una línea en el lienzo, me deslumbra, esto nunca, todavía lo había experimentado. Me lleva poco a poco, a ir buscando o más bien voy encontrando expresiones nuevas y según la emoción del momento, porque yo funciono muchísimo con lo que estoy viviendo en el presente, el trabajo que estoy haciendo, hoy día no tiene nada que ver con lo que hice el año pasado o hace seis meses porque emocionalmente no estoy en ese mismo estado.

Impermanencia, en el ICPNA, corresponde a un trabajo muy ligado a Tarapoto, una inmersión en la selva, entonces después de todo, sale el elemento y allí encuentro los útiles, que más o menos me corresponden para poder llegar a expresar esa agua, ese viento, esa tierra en desorden; esa hoja seca, esa humedad, la parte más espontánea e intuitiva.

ML: no puedo premeditar un trabajo, no hago croquis de composición de mi trabajo; la tinta es un medio de expresión, salvaje. Como estoy en un trabajo gestual, en realidad, en ese tipo de trabajo, hay que tener una noción de composición, bien interiorizada; para poder saber cómo equilibrar las masas y para poder lograr, en esta parte espontánea, una estructura visual que este equilibrada y que no cree un malestar visual. Para eso, hay que integrar una composición y como se maneja el peso de los diferentes volúmenes, tanto en negro como en blanco; el blanco tiene una fuerza muy grande, que hay que tener una gran consideración.

AP: de alguna manera, estamos transitando, un poco, por la idea de composición, a la vez, partiendo del dibujo y estamos viendo nociones de espacio, hemos visto algunas cosas del minimalismo con El Lissitzky y Malévichme perece importante que rescates esa parte, la composición en todo caso, como mencionas es un equilibrio de masas y de fuerzas; pero en el que son montadas en el espacio vacío. Que de alguna manera también es muy intuitiva, la idea de la percepción y de la composición.

ML: tengo muchas pasiones en artes plásticas, en la pintura en realidad, una de mis pasiones es el color. Soy colorista realmente. Otra de las cosas que he buscado, de una forma muy académica. Porque lo he enseñado y uno sabe que cuando uno enseña es una excelente manera de aprender, he buscado, he analizado; muchísimo las composiciones de los grandes maestros, de diferentes épocas en la pintura; incluso agarrando realmente las líneas directivas como distribuían las masas, como han distribuido los colores, como han utilizado los colores tónicos, los colores dominantes, cómo han guiado al ojo. Para saber leer un cuadro Como el ojo va haciendo de una manera sutil, las pinturas de los grandes maestros guían al ojo por donde va pasar el ojo. Esas cosas son fascinantes como escribir un super buen libro y tener una excelente lectura. Lo he trabajado de una manera académica muy simple con mis alumnos, por ejemplo, agarrando un papel calco y agarrando las líneas directivas de cada cuadro. De Leonardo Da Vinci, como ha repartido Dalí o Miró con sus manchas azules. Todo eso es un juego de masas y proporciones entre lo lleno y lo vacío. Para el ojo pueda circular de una manera redonda de abajo para arriba. Como las esculturas italianas que tenían los dedos y los pies que te van guiando.

Me parece importante, llevar la tensión a ese estudio para que después uno introyecta fácilmente. Cuando estas delante de tu dibujo, de tu hoja blanca ya como que se sientes el espacio. Uno va diciendo acá le pongo algo arriba, abajo y luego se arma.

AP: En cuanto al tema y el material como la tinta china; como decía Mallarmé, el medio puede ser el discurso, la herramienta misma tiene un discurso. El medio como discurso mismo, no necesitamos, quizás tener un título o una cosa clara sino, la herramienta misma, tiene un discurso por sí mismo.

ML Sí sobre todo que la tinta china es salvaje y extremadamente noble. Es un elemento muy fuerte, porque estamos jugando con blanco y negro y vamos a lo esencial. Cada trazo es super poderoso. Trabajo con tinta china, la acompaño, para darle sostén con acrílico diluido para acompañar y acentuar ciertos ritmos y darle perspectiva de profundidad. Depende de la imagen, por ejemplo, en “Impermanencia” he utilizado, ocres, amarillos, azules siempre son tonos diluidos para que no entren en competencia o que no anulen la fuerza de la tinta.

ML también he tenido periodos, donde he utilizado pigmentos de la tierra, en el Perú uno puede ir a la colina, a la montaña a recoger tierra. Eso lo he utilizado con un medio acrílico transparente, que uno lo puede aplicar después, moliendo bien la tierra, para que el pigmento sea extremadamente refinado poniéndole un medio transparente, un gel acrílico para que uno pueda utilizar el color así.

ML: las texturas las encuentro con las diferentes herramientas que voy utilizando, cada objeto que utilizo me va dejando un trazo diferente y eso se vuelve textura, entonces esas texturas después hay que manejarlas con perspectiva, para que la lectura sea correcta y que uno sienta la fineza de la textura o la densidad de la textura. El secreto es cambiar de útil de pincel de rastrillo de lo que tengas, para superponer o dejarlo en blanco y dejarlo que cante alrededor de un tema principal. Para llegar a eso hay un recorrido de trabajar texturas, con diferentes medios, sin buscar una expresión de cualquier cosa, simplemente experimentar texturas, con medios acrílicos, con acrílico y arena, con superposición de trazos encima y buscar incluso, con impresiones, frotas. Hacer una especie de diccionario de texturas. El reflejo se vuelve mucho más rápido.

AP: hay una diferencia entre trabajar de manera horizontal, ¿En qué momento aquello que tú haces o construyes, de manera horizontal, sigue cuando termina en una verticalidad?

ML: cuando trabajas de forma horizontal, tiene un aspecto práctico, cuando tu trabajas con tinta, que es líquida, todo se te chorrea. A veces ese chorreo, puede ser muy interesante si entra en el proyecto, no hay problema. Pero como quiero tener trazos muy precisos, entonces, trabajo en horizontal; lo dejo secar. En realidad, siempre dejo secar las diferentes capas, poder integrar la superposición y que quede con el trazo; porque lo que me interesa es el trazo que voy dejando con diferentes útiles que voy dejando. Una vez que la tinta está seca, que más o menos la estructura de la composición está definida, la levanto y la pego en el muro y ahí es donde puedo retroceder y agarrar distancia para poder leer lo que he hecho de forma horizontal y ver por donde me está llevando la imagen. Ahí, cuando pongo el cuadro en vertical y agarro distancia, ahí es donde empiezo a subrayar o trabajar la perspectiva de la imagen, con la mirada en vertical.

AP: llegando a temas de educación en el arte, donde también interesa muchísimo la metodología para llegar a determinada imagen, que va desde varias vertientes, incluso hasta de oír el canto de las aves, en relación a eso ¿cómo ves esa metodología bastante Bauhaus bastante Fluxus, que tardíamente ha llegado al Perú? ¿Cómo ves, en la actualidad del arte peruano, en contraposición a lo que ves, en el otro lado del mundo, si hay coincidencias o si se ha diversificado?

ML: la diversidad de tendencias y de educación artística es muy grande, lo que siento que lo audiovisual y el arte digital está muy de moda. Pero, paralelamente a eso, el arte tecnológico que tiene su encanto y su estética que tiene su valor y su sitio; pero que para mí le falta vibración humana, le falta defecto, le falta esa línea viva que no está perfectamente hecha con regla, pero que tiembla un poquito, ese temblar es el humano. Ahora hay tendencias, la tendencia es lo virtual, se cultiva en ciertas escuelas o en ciertos medios quizás en artistas que van buscando un camino más interiorizado, eso ya viene después de los estudios, cuando uno va buscando más lo esencia. Una escuela te da un saber técnico, intelectual y experimental. Pero ¿Qué haces después con esos elementos? después tienes que saber tú cómo lo vas llevando. Entonces, ya después el artista, después, cuando estás solo con su obra y su sensibilidad, va encaminando por diferentes vertientes y va construyendo su camino con todo su bagaje que ha tenido de formación de las diferentes escuelas y las diferentes técnicas aprendidas en todos los procesos educativos.

LE: la importancia del contacto físico con la obra, con la pieza, con el material mismo, que a veces los medios digitales limitan, en ese sentido, y en este contexto que estamos viviendo de pandemia ¿Cómo has visto este intercambio de experiencias con el espacio físico? Ya que en Lima se están activando poco a poco los espacios culturales, en Francia cómo se da esa situación.

ML: los museos en Francia están abiertos, hay exposiciones abiertas, en Francia, la situación es más holgada y libre, acá se les pide que se mantenga el uso de la mascarilla y la distancia. He participado en un festival de caligrafía con calígrafos, hemos trabajo juntos en un papel colectivo. El miedo es terrible, el Perú está paralizado por el miedo.

LE: en ese trabajo, en conjunto ¿Cómo los artistas están reinventando o venciendo ese miedo debido a ese contexto?

ML estamos tratando de utilizar todo lo digital y reuniones virtuales. También hay cosas presenciales, la diferencia entre un francés y un peruano, es que el francés es muy crítico y critica y cuestiona a sus políticos. Aquí la gente, reacciona. Se está desarrollando un sentimiento de camaradería, de organización social, entre ayudarnos entre todos, para tener otras posibilidades de iniciativas individual y no gubernamental. Como los calígrafos, nos ayudamos para ver la forma de manifestarnos en grupo, para darnos fuerzas y no aislarse y no sentirnos solos, en su esquina; esos son sentimientos humanos de colaboración colectiva, que empiezan a salir, porque si no vamos a perder mucho en varios aspectos.

AP: ¿Qué tan importante es ahora seguir haciendo arte? Para una generación que le ha tocado vivir este contexto.

ML: el arte es esencial en la vida, porque la belleza y la energía que uno le pone a su obra es un alimento esencial para la vida, eso es indiscutible. El arte es lo que, a pesar que los gobiernos y los ministerios de cultura, a pesar de que no se le da importancia; porque cuando un gobierno tiene problemas de presupuesto, lo primero que cortan es la parte cultural, porque consideran que no es esencial. Imagínense un mundo sin arte, que pasa si no hay belleza, teatro, danza, color. El ser humano necesita nutrirse de imágenes vibratorias y si trabajan con color, el color es energía, penetra emocionalmente igual que la música. Son energías muy poderosas. Si es una pasión para ustedes, pónganle ganas a pesar que es un camino difícil, no siempre se nos abren las puertas, no siempre se conquista lo que uno quiere conquistar. Seamos humildes, en el sentido, que cada obra vivida con mucha sinceridad y con mucha apertura, uno nunca sabe a quién le va despertar el corazón o unas ganas de vivir, o de ir más lejos de los límites de ciertas personas se ponen.

Publicado por Luis Alberto Espinoza López